lo

Arte


Atelier Barrère-Ripoll Arte

Dos caminos que se unen

 

Dos vidas pararelas que al juntarse crea una explosión de arte. Thibault Barrère nació y creció en Francia. Paola Ripoll nació y creció en Querétaro. Él comenzó sus estudios en una escuela de animación en Lyon. Ella comenzó sus estudios en Diseño Gráfico a la par de tomar clases extracurriculares con artistas queretanos como Andrea Avendaño o Román Miranda. Thibault dio un cambio en su carrera para buscar su pasión y encontró una escuela de dibujo y pintura en Florencia con un enfoque más técnico y académico: The Angel Academy of Art. Paola durante su carrera, viajó un semestre de intercambio a Florencia, donde tuvo la oportunidad de toparse con The Angel Academy of Art. Thibault, habiéndose graduado, vivió en Bulgaria por dos años, donde tuvo varias exposiciones, hasta que finalmente decidió regresar a Florencia donde continuó sus estudios con Sergey Chubirko. Paola al estar en el extranjero decidió dejar sus estudios de diseño para emprender una profesión completamente diferente en Florencia. Ambos complementaron sus estudios con cursos en The Florence Academy of Art, The Florence Studio y Bottega ChiaroScuro y es cuando sus caminos se entrelazan. Un muy buen amigo y excelente pintor que tienen en común, Benjamin Gouttard, los presentó para comenzar a trabajar en un proyecto de ilustraciones.

Este proyecto les brindó la oportunidad de conocerse y descubrir que tenían muchos temas en común. Entre reuniones y conversaciones surgió el amor y las ganas de emprender junto a su segundo amor, la pintura.

 

Después de mucho planear y dialogar deciden que México es su mejor opción por lo que Paola regresa y Thibault emprende su primer viaje a nuestro país. Ambos abren su estudio “Atelier Barrère-Ripoll” en San Miguel de Allende donde actualmente imparten cursos regulares, sin embargo también han tenido la oportunidad de dar talleres en Querétaro, Jalisco, Ciudad de México y Colonia, en Alemania. Dedicación, practica y disciplina son las 3 palabras que definen a Atelier Barrère-Ripoll.

 

Para ambos el estilo de un pintor son los hábitos que genera a lo largo de los años, y las decisiones que se toman a la hora de pintar. Ambos están interesados en el arte realista o figurativo. Ambos trabajan con una paleta limitada, por lo que inclusive se podría llegar a pensar que tienen los mismos lineamientos pero al final del día se puede reconocer su trabajo por la manera en que aplican la pintura, agarran un lápiz, perciben a una persona o la historia que cada uno decide contar en su obra.

 

¿Cuál ha sido la pieza que más les ha marcado?

Para Thibault “La Deposizione” por Pontormo se encuentra en la capilla Capponi de la Iglesia de Santa Felicita de Florencia, Italia. Para Paola “Ecce Homo” de Antonio Ciseri, se encuentra en la Galleria d´Arte Moderno en Palazzo Pitti.

 

¿Qué pintores han influido en su vida?

La lista puede ser infinita pero lo reduciremos a 5:  Jean Honoré Fragonard, Rembrandt, Jean Baptiste Greuze, Jose de Ribera e Ilya Repin

 

“El dibujo es la llave a la pintura. Solo podrás pintar tan bien como puedas dibujar.”

 

Concurso de pintura o dibujo realista con Atelier Barrère-Ripoll: Enviar una fotografía de su obra participante.

Redes sociales: www.atelierbarrereripoll.com

Instagram: @atelierbarrereripoll

Facebook: Atelier Barrere-Ripoll

 


Andrea Arreguín Bribiesca Arte

Una artista en todo el sentido de la palabra

Desde muy pequeña, Adriana Arreguín Bribiesca, tuvo un gran interés por las artes. Recuerda que a los 4 años, le regalaron un sketchbookcon unas acuarelas y desde ese momento podría decirse que nació su vocación por la pintura.

 

Actualmente es una mujer persistente, sensible y coherente que reside en la ciudad de Querétaro. Trabaja en un pequeño estudio en su casa y cuando se requiere, trabaja en el sitio en donde estará la obra, sobre todo, cuando son obras de gran escala.

 

Entre su trabajo como diseñadora y pinturas esporádicas, en el 2015 tuvo la oportunidad de exponer su trabajo en Savannah, Georgia. Un año más tarde vivió su  primera exposición individual en la ciudad de Monterrey y partir de ese momento, su trabajo ha sido exhibido en la Ciudad de México y en dieferentes lugares del país.

 

Su estilo es diverso porque mezcla distintas técnicas y estilos. Tiene series que son muy abstractas y series que son más figurativas. La obra “Just Dance” marcó un antes y un después de su ser porque descubrió su pasión y su forma de hacer pintura. A diferencia de su estilo, lo que mantiene similar, es su inspiración ya que nace por los sentimientos y las emociones humanas. “¿Qué siente? ¿Qué siente la otra persona? ¿Qué le dice su mirada? ¿Qué quiere expresar esa persona con solo mirarla? ¿Qué la hace sonreír, llorar, enojar? ¿Por qué actúa de cierta forma?”; la pieza “Give to your soul wings to decide”ha sido una obra que hizo conectarla con los sentimientos más profundos de otras personas.

 

¡Orgullosamente mexicana!


RAÚL CAMPOS Arte

El pintor queretano presentó a inicios de año ‘Cuerpos errantes’ en el Museo Regional de Querétaro junto a su amigo y mentor Román Miranda

Con diez años de trayectoria en el mundo del arte, Raúl Campos Herrera destaca como uno de los pintores figurativos de mayor relevancia, su formación inició en Querétaro de la mano del pintor Román Miranda y continuó por tres años en la Academia de Arte Ángel en Florencia y dos años más en Noruega con el reconocido artista Odd Nerdrum.

“Haber vivido en una comunidad aislada durante su estancia en Noruega fue una experiencia crucial en la que cultivó su aprecio por la música y la filosofía clásica. Para él, se supone que la pintura eleva el alma humana, por eso se esfuerza por hacerlo en cada pincelada”.

Raúl desarrolla obras en formatos pequeños que le toman por lo menos entre uno y tres meses; dibujos en grafito sobre papel y pinturas al óleo bajo una técnica de mucha tradición al estilo Rembrandt, en la que prepara el bastidor con lino importado y mu- chas capas de pintura que aseguran una duración de miles de años.

Después de iniciar el 2020 con la exposición ‘Cuerpos errantes’ en la que compartió una serie de retratos y autorretratos, ya tiene planeadas algunas más: en la Galería Nuun en Querétaro, en Aldama Fine Art en la Ciudad de México y en el Museo Virreinal de Zinacantepec.

Parte de sus próximos proyectos incluyen la creación de obras más grandes y complejas en la que además pueda incluir un toque de folclore mexicano; aunque ya ha tenido la oportunidad de exponer su obra a nivel internacional en países como Estados Unidos, Bélgica, Italia y Noruega, en su futuro se visualiza exponiendo en diversas partes de nuestro país y el mundo.

@raulcthoagrtawpohryk

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Talento queretano

Moisés Cervantes

Desde los 12 años comenzó a tomar clases particulares, además cursó la carrera de arquitectura durante tres semestres y estudió artes visuales en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado

¿Qué es lo que más disfrutas de tu profesión?

Disfruto muchas cosas, desde la planeación de un proyecto, los procesos, a veces largos y otras no tanto, hasta el momento donde se exhibe la obra, generalmente resultado de un largo camino de investigación. Cada una de estas etapas son esenciales en la continua e interminable formación y búsqueda artística.

¿Cuál ha sido tu experiencia más satisfactoria como artista?

Es difícil elegir una sola experiencia, el mundo de la pintura siempre tiene encuentros sorpresivos, de manera que si se me orillase a elegir una sería justo eso, el misterio de la sorpresa.

¿Qué materiales utilizas en tus obras?
En un inicio mi acercamiento a la pintura fue a través del pastel, material que es un estado intermedio entre el dibujo y la pintura, después persistí en la técnica del óleo, sin embargo en este espíritu de experimentación me he permitido explorar con materiales no convencionales, logrando la consolidación de una técnica mixta.

¿Cuál es tu sueño como artista?

La pintura me ha revelado tantos misterios que hace tiempo abandoné los sueños por resultar meros distractores de lo que sucede, el asombro. He elegido el camino del que contempla en lugar del que sueña.

¿Qué planes vienen para ti en el 2020, exposiciones, proyectos, etc.?
Dos exposiciones importantes, una colectiva en julio y una individual en agosto, ambas en la Galería Nuun, en Querétaro. «

Programa de jóvenes creadores del FONCA 2013 y 2015

Individual en Galería Libertad 2016
Miami limited edition 2017
Colectiva en galería Emilia Cohen en Los Ángeles CA 2020


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Realismo espontáneo

Alfredo Lara

El talentoso artista queretano nos recibió en su estudio para compartirnos parte de su trayectoria y próximos proyectos

Alfredo Lara es un artista innato que desde pequeño comenzó a dibujar retratos a lápiz sin imaginar que en un futuro el arte se convertiría en su más grande pasión.
Estudió diseño industrial en la Universidad del Valle de México, pero en octavo semestre decidió abandonar los estudios para viajar a Europa por algunos meses; durante su estancia además tuvo la oportunidad de estudiar un tiempo en Florencia.

Después de su primera exposición en la Secretaría de la Juventud en 2016 decidió dedicarse de tiempo completo al arte, y desde entonces ha presentado su trabajo en diversas galerías de Querétaro y Bernal en exposiciones individuales y colectivas, además de cuadros especiales para venta “pinté un retrato de Don Rogelio Garfías para el periódico Noticias y un danzante para el gobernador Francisco Domínguez”.

La más reciente exposición fue apenas hace unos meses con el Colectivo Nueva Figurativa al que pertenece; este proyecto fue desarrollado por un grupo de siete pintores queretanos y tiene como objetivo posicionar el arte figurativo en el México contemporáneo.

Alfredo es un apasionado de la figura humana y el hiperrealismo, su obra desarrollada en técnicas como el carboncillo, el lápiz y el óleo busca darle voz a la gente menos privilegiada.

Como artista autodidacta, cuando comenzó a pintar con óleo pasó un año entero aprendiendo, perfeccionando y desarrollando un estilo propio.

“Mi obra consiste básicamente en retratos hiperrealistas o de realismo espontáneo y lo que busco representar es una realidad más compleja de lo que estamos acostumbrados a ver”. «

“Solo es preciso el brillo de los ojos para encontrar un alma”

Luis Alberto Spinetta

Fotos: Laura Saavedra

 


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Arista visual

María Sarmiento

Desde pequeña se sintió atraída por el arte, por eso decidió estudiar diseño gráfico, pero después comenzó su primer cuadro y a los pocos meses tuvo la oportunidad de estudiar arte en Florencia

¿Qué es lo que más disfrutas y cuál ha sido tu experiencia más satisfactoria como artista?

Disfruto absolutamente todo, ahí es donde te das cuenta que estás haciendo lo correcto con tu vida, porque hasta los momentos más desafiantes son inspiradores. Disfruto el proceso de crear, pero también el de compartir y aprender. Creo que lo más satisfactorio del primero es conocerme a mí misma a través de lo que me inspira y lo que me mueve, y lo más satisfactorio de ver una obra terminada es compartirla y escuchar cómo se relaciona la gente con ella, qué interpretan, qué ven o incluso qué sienten.

¿Qué materiales utilizas en tus obras y qué es lo que buscas expresar a través de ellas?

Los materiales pueden variar, aunque me inclino mucho más por el óleo, también me gusta el carboncillo, pasteles, acuarelas y a veces hasta hacer técnica mixta es divertido, me gusta explorar y no limitarme. En cuanto a lo que busco expresar a través de mis obras, yo creo que no es una búsqueda como tal, simplemente es una expresión honesta y muy personal de lo que en este momento siento, de lo que hoy me inspira.

¿En qué te inspiras para pintar?
Creo que el tema que más me inspira es la feminidad, la espiritualidad, la sensualidad, la simbología, moda, fotografía, lo estético, las texturas y bueno una infinidad de temas adyacentes, creo que también son temas con los que me siento muy relacionada y atraída por ellos, creo que logran revelar una parte muy mía.

¿A qué guras del arte admiras y por qué?
¡Es una lista enorme! Por su simbología el Bosco, Klimt, Magritte, que también usan la gura femenina de una manera muy hermosa,
creo que cuando era chica empecé a dibujar por las ilustraciones de Jordi Labanda y más grande Brian Viveros me encantaba y trataba de copiar sus ‘chicas malas’.

¿Qué planes vienen para ti en el 2020 en esta faceta?
Como te decía, el tema de la simbología me atrae mucho y tengo planes de lanzar una baraja de cartas de tarot, también un par de colaboraciones muy interesantes con artistas como Moisés Cervantes y la fotógrafa Mónica Garrido me tienen muy emocionada.

Las expos que vienen las postearé en mis redes sociales, además lanzaré una serie de ilustraciones que podrán adquirir en diferentes tamaños firmadas en odam.mx. «

“Como artista tengo la meta constante de crear, aprender, compartir, enseñar. Creo que mientras esos sean mis objetivos, nunca dejaré de crecer y evolucionar como artista y como persona”


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Ceramista

Dan Marte

Como parte de la octava temporada de Galería Libertad, a mediados de septiembre el artista queretano presentó ‘El teatro de Seraphin’

Desde adolescente Dan Marte se interesó por el arte y tomó diversos cursos de dibujo y pintura, pero hace seis años conoció a un talentoso maestro ceramista que montaba una exposición en el Museo Regional de Guadalajara y quedó cautivado con su visión del material y la forma en que representaba sus ideas.

Comenzó como su aprendiz con cerámica japonesa: sus procesos, visión y filosofía; hoy es socio de su maestro y juntos montaron el ‘Estudio Cerámico Contemporáneo’, un taller en el que se dedican a la enseñanza, investigación y producción de cerámica contemporánea utilitaria, escultórica y combinada con otros medios y soportes.

Dan Marte ha presentado su obra en el Museo de la Ciudad de Querétaro, la Galería Municipal ‘Rosario Sánchez de Lozada’, el Centro de Arte Bernardo Quintana, Galerías del Centro de las Artes de Querétaro y en muestras de galerías y talleres particulares.

“Lo primero que hay que aprender a controlar, más que el material, es asumir que pasarán muchas horas de construcción de piezas, muchas horas de hornadas y muchas piezas insuficientes, tal vez mucha frustración, antes de llegar a ese resultado deseado”.

Como creador se ha interesado en diversas expresiones artísticas, pero siempre en función de experimentar técnicas aplicadas a su disciplina, entre ellas la fotografía y el grabado sobre cerámica. “Trabajo principalmente la cerámica, es un material muy noble y poco reconocido muy a pesar de que casi todo lo que nos rodea es cerámica”.
Su más reciente exposición ‘El teatro de Seraphin’, surgió de la idea de reflexionar sobre una sociedad distópica, fragmentada y reestructurada en sí misma para funcionar escapando del caos estructurado de lo ya establecido.

Además de su proyecto permanente de promover la cerámica como un material igual de respetable, noble e importante que la pintura, el grabado o la escultura, destaca para cerrar el año la presentación del trabajo de sus alumnos en la Galería Principal del Centro de lasArtes de Querétaro y una exposición individual de su obra, ya con rmada, para noviembre 2020 en la misma galería. «

“La cerámica es un mundo aparte, es toda una alquimia. Más que una profesión, para mí es un oficio, de esos que se aprenden con el día a día a base de prueba y error”

Dan Marte cuenta con diversos estudios relacionados con historia, filosofía, pintura, escultura, grabado, diseño y gestión cultural, además ha participado con exposiciones individuales y colectivas en diversos recintos de Querétaro y la Ciudad de México


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Azucena Germán

La talentosa artista visual acaba de inaugurar la exposición ‘Apología de la materia’ en Galería Libertad

Graduada de artes visuales en la Universidad Autónoma de Querétaro con especialización en pintura, Azucena completó su formación en Nueva York y Colorado. Desde un inicio, su obra se ha desarrollado en torno a la naturaleza en distintas disciplinas como pintura, escultura, instalaciones e incluso video.

En su trayectoria destacan las exposiciones individuales ‘Moho’ en 2010 y ‘Fábula Vegetal’ en 2012, ambas en el Museo de la Ciudad de Querétaro, y la más reciente ‘Apología de la materia’ en Galería Libertad, una muestra en la que a través de diferentes objetos escultóricoscreados con elementos naturales, la artista ofrece una experiencia estética que lleva a la re exión del ser, del mundo y de la vida.

También ha participado en varias exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional, entre ellas: ‘The Shape Of Happiness To Come’ en la galería Tidaholms en Suecia, y ‘La huella’ en la galería Action Art Actuell, Saint Jean sur Richelieu, en Canadá.

En este momento de su carrera, Azucena se encuentra enfocada a llevar su obra a diferentes ciudades de México para proyectarse como artista a nivel nacional. «

A detalle
Apología de la materia permanecerá en exhibición hasta el próximo 3 de noviembre

Más información FB @Galeria.Libertad

“La naturaleza y todo lo que se desprende de ella es la temática principal de mi obra, tanto conceptualmente como en materiales”


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El poder de los instantes

Francisco Diego

La última exposición del artista se presentó a mediados de año en el Museo de los Conspiradores, con dieciocho piezas entre escultura y pintura

Francisco Diego se graduó de diseño industrial por la Universidad Iberoamericana en la Ciudad de México, así como del Politécnico di Torino en Italia, y fue precisamente su carrera la que le enseñó los procesos para reinterpretar sus ideas a través del arte. Desde pequeño, instruido por su abuelo, se apasionó por la estética y se mantenía en constante cuestionamiento por las cosas cotidianas “Mi primer incursión como artista fue en vaciados de cera para joyería; además de creación joyera, hago pintura, escultura y arte-objeto”.

Inspirado en la velocidad en la que vive su generación: los millennials, Francisco Diego pretende expresar el poder de los instantes através de su obra, que al ser observada con detalle permite identificar los trazos iniciales y convertir al espectador en un cómplice delproceso de creación.

Francisco Diego ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional entre ellas ‘Ethos’ en el Museo Franz Mayer de la Ciudad de México, ‘D ́Clinic-Zalaegerzeg’ en Hungría y ‘Mexico in a Blink’ en San Francisco, California.

Por el momento el artista visual está trabajando en una colaboración con su más reciente exposición ‘Dulce Bilis’ y varios artesanos-artistas del Museo de Arte Indígena, además de una exposición en la Galería Impala de la Ciudad de México a nales de septiembre y suparticipación en la obra de teatro ‘En el 2000’. «

Para el artista la vida es como un lienzo en blanco, cada línea trazada, suave u oscura es una acción hecha; y así como en la vida, las acciones no se pueden borrar. La única forma de cambiar un trazo equivocado es volver a trazar y reforzar la silueta final.


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Elisa soto Abstracción

Una de las piezas de la artista formó parte de la exposición Plástica Contemporánea Queretana del MACQ

Aunque desde pequeña estuvo siempre interesada en el arte, Elisa Soto estudió Administración de Empresas y por mucho tiempo estuvo alejada de su pasión por crear, diseñar e inventar cosas; al crecer su hija y hacer juntas un cambio de residencia a Querétaro, decidió preguntarse qué es lo que realmente quería hacer y esto la llevo de nuevo al arte.

Comenzó varios cursos, entre ellos uno en el Instituto de Artes y Oficios con la idea de aprender todas las técnicas y materiales “Pasé por el realismo, la figura humana, todo… y a partir de ahí me di cuenta que lo que yo quería era expresarme y lo que más me llamaba la atención era el expresionismo abstracto”.

Estudió pintura con Esmeralda Torres y Jordi Boldó, entre otros artistas y comenzó a tener exposiciones colectivas en lugares como el Museo de la Ciudad y Santa Rosa de Viterbo; su más reciente obra ‘Memento’ formó parte de la de la exposición Plástica Contemporánea Queretana del MACQ y habla de lo limitada que es la vida y la importancia de aprender a vivir, pero también a morir como un ejercicio continuo de desapego para seguir adelante.

Durante estos más de diez años dedicada a la pintura, fotografía e inspiración creativa a través de diferentes materiales como el cartóno telas y la intervención de piezas, la artista plástica se ha interesado también por la gura humana, de hecho, está trabajando en un proyecto de retrato femenino en el que modifica a las personas en base a su percepción.

“Lo que más me apasiona es el momento en el que me hago amiga de la pieza con la que estoy trabajando, hay un momento especifico en el que sientes que ya te comunicaste con la pieza y ya estás expresando lo que quieres”. «

“Trato de empezar siempre mis piezas con una palabra y esa palabra me lleva a una idea y la idea se va por donde ella quiere”


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Realismo

Alejandro Vázquez

La obra del pintor queretano se ha presentado en diversas galerías en exposiciones individuales y colectivas, además ha participado en subastas y trabaja constantemente para colecciones privadas

Desde pequeño Alejandro tuvo una habilidad artística natural que lo llevó a participar en su primera exposición colectiva en la Galería Libertad con tan solo ocho años; con el tiempo esa habilidad se convirtió en su más grande pasión y más tarde en su forma de vida. “Creo que fue a partir de un libro de Leonardo Da Vinci que me enamoré de la plástica y la forma en que el renacimiento retrataba lo que ocurría”.

El artista queretano dejó la carrera de arquitectura y diseño grá co para hacer de la pintura una profesión; tuvo la oportunidad de aprenderde los mejores, primero con el Maestro Santiago Carbonell, un buen amigo e impulsor de su carrera, también el Maestro Guillermo Muñoz Vera en la Academia de la fundación Arauco, en España, y los artistas Tony Curanaj y Graydon Parrish en The Grand Central Academy of Fine Arts en Nueva York.

A su regreso a México Alejandro arrancó o cialmente con su propio estudio, lo que le dio una gran oportunidad de evolucionar supintura y comenzar a dar clases; en 2015 ingresó a la Facultad de Bellas Artes a la licenciatura de docencia del arte que lo ha llevado a experimentar en otras áreas y a estructurar su proceso de enseñanza como maestro “Es una licenciatura maravillosa que me amplió la visión y que me ha dado la oportunidad de participar en la gestión de proyectos artísticos”.

Por el momento Ale además de seguir produciendo está asesorando actividades artísticas y culturales de la Secretaría de la Juventud y de la Secretaria de Cultura, su carrera dio un pequeño giro y lo colocó en un lugar donde tiene la posibilidad de respaldar a nuevos talentos.

“He tomado como consigna personal apoyar a estos jóvenes creadores e impulsarlos a que participen de manera más activa en el tema del arte”.

Recientemente participó en la exposición ‘Plástica Contemporánea Queretana’ para el Museo de Arte Contemporáneo con la obra ‘Herself’ que permanecerá en exhibición hasta el próximo 14 de julio. «

En 2009 Alejandro colaboró con Carbonell en un mural de la Suprema Corte de Justicia de la Nación, en conmemoración del bicentenario y centenario de la Independencia y Revolución Mexicana


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Artista visual

Rodrigo Oñate

La creación de personajes y mundos fantásticos son el universo que define el trabajo de Rodrigo Oñate (Rocodrilo) originario de la ciudad de Querétaro. A través de los años Roco ha emprendido su carrera como artista plástico y gráfico autodidacta, influenciado por la cultura pop de los años 80, el cómic, el grafiti y de diversos artistas representantes de la plástica mexicana.

Como queretano apasionado por el arte ha expuesto su trabajo en diversas muestras colectivas, pero fue hasta que se le presentó la oportunidad de una estadía en Minneapolis, Minnesota, que su obra se consagró encontrando una línea gráfica que conjunta sus raíces con su evolución como artista.

La obra de Roco representa la relación del hombre con la naturaleza y el universo, con personajes y mundos fantásticos como reinterpretaciones de las tradiciones de diversas culturas de América mediante una combinación de colores, texturas y formas intrincadas capaces de evocar la gráfica tradicional mexicana con técnicas como la ilustración, acuarela, esmaltes, enamel, acrílico y tintas.

La originalidad de la técnica y el mensaje de su obra, lo han llevado a participar en diversas exhibiciones y proyectos culturales en espacios como Arca Galería en CDMX y Museo de la Ciudad en Querétaro; en el Museo Mexicano de Arte en Chicago; la Gamut Gallery en Minneapolis, Pilsen Outpost Gallery Chicago y la Universidad Kent en Ohio. Sus piezas forman parte de colecciones públicas y privadas de empresarios, inversionistas e instituciones de arte. Además ha colaborado con marcas como Don Julio Tequila, Vans, Osel, Surly Brewery, Indeed Brewery y Quick Silver, Tec de Monterrey, Viñedos del Marqués, Ocesa, entre otras. «

Actualmente Roco reside y produce obra en Guadalajara donde además es cofundador de Península Galería que apoya proyectos culturales y alberga exhibiciones de artistas nacionales e internacionales


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ARTE CONCEPTUAL

Minerva Cuevas

La artista mexicana estudió la licenciatura en artes visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM y en 2004 recibió la beca Media Art of the Foundation of Lower Saxony at the Edith-Russ-Haus. Su obra incluye intervenciones in situ, video, fotografía así como instalaciones y gráficas en las que refleja su alto compromiso socio-político.

Cuevas ha recibido becas y residencias artísticas en México, Canadá, Reino Unido y Alemania. Además ha expuesto en importantes recintos como el Museo de la Ciudad de México, el Museo Tamayo, el Museo Jumex, el Institute for Contemporary Art de Berlín y la Whitechapel Gallery en Londres. También ha participado en múltiples muestras colectivas de museos nacionales e internacionales y en bienales como la de Sao Paulo y Mercosur.

Sus obras han estado en bienales a nivel internacional y son parte de importantes colecciones de arte, como la de la Tate Gallery de Londres y el Museo Guggenheim de Nueva York. «


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Artista electrónico

Rafael nació en la Ciudad de México en 1967 pero radica en Canadá desde los 17 años, su formación profesional incluye un título en Química y Física y un diplomado en Historia del Arte.
El mexicano es famoso por desarrollar instalaciones interactivas a gran escala en espacios públicos y ha dedicado su trabajo al campo del arte electrónico y al uso de diversas tecnologías, fusionándolas con elementos propios de la arquitectura y el performance. Sus obran han sido expuestas en bienales, museos y galerías de todo el mundo, entre ellas el MoMA de Nueva York, la Tate Gallery de Londres y la Bienal de Venecia.

Algunos de los galardones que ha recibido son dos Premios BAFTA, de la Academia Británica de Arte Interactivo en Londres; el Golden Nica del Prix Ars Electronica – Austria, una beca Rockefeller, el Trofeo de la Luz en Lyon y el premio internacional Bauhaus en Diseño. «

Obras
– Elevación vectorial (1999)

– body movies (2002)

– Público subtitulado (2005)

– 33 preguntas por minuto (2006)


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Christopher Anderson

Fotografía emocional

El fotógrafo canadiense comenzó a trabajar en 1995 con importantes publicaciones como Life, Time, Stern, Audubon, Skiing, Sports Ilustrated, entre otras. Su obra incluye fotografía documental, moda y paisaje, y explora la relación entre la política, la economía, el consumo, la muerte, el poder y la miseria.

Anderson formó parte de Aurora & Quanta Productions, una agencia creada por fotógrafos de National Geographic; más tarde trabajó en VII Photo y finalmente fundó su propia agencia Edge.

En 2005 fue nominado para entrar a Magnum Photo y cinco años más tarde fue nombrado miembro. Ha sido ganador de reconocimien- tos como el Kodak Young Photographer of the Year, The Visa D’or de Perignan y varios World Press Photo con fotografías de zonas como Gaza, Líbano y Afganistán que destacan por su sensibilidad ante temas de violencia, hambre y guerra. «

Proyectos
‘capitolio’ captura el rechazo de la sociedad venezolana durante el gobierno de Hugo chávez‘Son’ refleja a su familia mientras su padre sufría de cáncer.


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Arquitectura Sostenible

Tatiana Bilbao

La arquitecta mexicana es una de las exponentes más importantes de la arquitectura contemporánea de nuestro país, su trabajo es reconocido en todo el mundo por la creación de construcciones sostenibles que se integran al paisaje y al ecosistema.
Algunos de sus proyectos en México son el Jardín botánico de Culiacán, el pabellón en el museo Tamayo que formó parte del DesignWeek México 2013, la Capilla de la Gratitud de la Ruta del Peregrino en Jalisco, el edificio Biotecnológico del TEC de Sinaloa, un prototipo de vivienda sustentable para los sectores populares en ciudad Acuña de tan solo $160 mil pesos y la Funeraria Tangassi en San Luis Potosí, entre otros.

Ha impartido clases como profesora invitada en importantes instituciones a nivel mundial como la universidad de Columbia y Yale, además de ser reconocida por varios organismos como la Fundación BBVA Bancomer y the Pollock–Krasner Foundation y fundar en 2004 Tatiana Bilbao s.c., con proyectos en China, Europa y México. «

RECONOCIMIENTOS

premio Kunstpreis berlin (2012)

premio Global de Arquitectura sostenible (2014)

Architizer impact Award (2017)


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Arte contemporáneo

Abraham Cruzvillegas

La obra de este artista mexicano autodidacta incluye escultura, pintura, dibujo,

instalación y video

Abraham Cruzvillegas es uno de los artistas contemporáneos más importantes de México y con mayor proyección a nivel internacional.
En 1994, su trabajo se mostró en la Fifth Havana Biennial; en 2002 en la XXV São Paulo Biennial; en 2003 en la Fiftieth Venice Biennale; en 2005 en la 1st Torino Triennale y en 2008 en la Bienal de Cali, en Colombia. Su obra se ha expuesto en el Contemporary Art Museum-Houston, el Museum of Contemporary Art de Chicago, la Redcat Gallery, en Los Ángeles, la Tate Modern Gallery, en Londres, el Centro Cultural Monte Hermoso, en España, el New Museum, en Nueva York, Modern Art Oxford, Le Carré, en Nimes, Artsonje, en Seúl, entre otros.

También ha escrito ensayos y crítica de arte en publicaciones periódicas y especializadas como Bomb Magazine, Bidoun Magazine, Artforum, Gagarin, Curare, Casper y los diarios Reforma y La Jornada. «

Cruzvillegas ha mostrado sus obras en exposiciones individuales y colectivas en numerosas galerías alrededor de Europa, Sudamérica y los Estados Unidos


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Mundo natural

David Yarrow

Este año el reconocido fotógrafo escocés fue nombrado embajador de Nikon para Europa y ha sido parte integral del lanzamiento de la última cámara de la compañía
David Yarrow inició su carrera en el periódico The Times donde tuvo la oportunidad de fotografiar el Mundial de México 86 y hacer famosa la imagen de Maradona sosteniendo la Copa del Mundo, esto lo llevó a realizar coberturas en los Olímpicos y otros importantes eventos deportivos.

Años después encontró su verdadera pasión en la documentación del mundo natural, con una evocadora y envolvente fotografía sobre la vidaen la tierra que le ha valido la admiración de un grupo cada vez más numeroso de seguidores que incluye fotógrafos y coleccionistas de arte.

Sus emblemáticas imágenes monocromas de gran formato se exponen en muchas galerías y museos destacados de todo el mundo, y contribuyen a forjar un estilo único que lo ha llevado a la cima de su carrera como uno de los mejores fotógrafos naturalistas del mundo.En 2016, Rizzoli Nueva York publicó ‘Wild Encounters’ con un prólogo escrito por el Duque de Cambridge, el libro fue galardonado con ‘Art Book of 2017’ y todas las regalías han sido donadas a ‘Tusk’ la destacada ONG británica enfocada a la conservación de los animales en África. Yarrow se ha establecido firmemente como uno de los fotógrafos de arte más vendidos en el mundo y su trabajo define claramente esta afirmación. «

A detalle

En mayo, en la subasta de fotografía de Sotheby’s en Londres, la icónica imagen de Yarrow de Sudán del Sur ‘Humanidad’ se vendió por $75,000 dólares
En diciembre de 2017, Yarrow disparó aLVMH Moët Henness y Louis Vuitton SE, más conocido como la última campaña de LVMH con Cara Delevingne

Samuel Lynne Galleries tiene representación exclusiva de David Yarrow en Texas y será el anfitrión de una exposición en Dallas el próximo 8 de septiembre

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FotograFía provocativa

Tyler Shields

El fotógrafo estadounidense de Jacksonville, Florida, es también guionista, escritor, director de videos y expatinador en línea profesional

Conocido por su atrevido y sugestivo estilo, Tyler Shield inició su carrera dirigiendo videos musicales pero rápidamente decidió dedicarse a la fotografía fija. Su obra crea una experiencia estimulante para cada espectador a través de temas que van desde guras históricas hasta representaciones del materialismo moderno.

La lista de celebridades que han sido fotografiadas por Shields incluye a Emma Roberts, Francesca Eastwood, Evan Peters, Ashley Greene, Hayden Panettiere, Justin Long, Rumer Willis, Connor Paolo y Lindsay Lohan.

‘El chico malo de la fotografía’ ha realizado varias exposiciones y shows individuales en varias ciudades del mundo, además ha publicado los libros ‘The Dirty Side of Glamour’, ‘The Smartest Man’ y ‘Provocateur’. Este año colaboró en una colección de mercancías de edición limitada con Urban Outfitters, creó un documental con YouTube Red, y dos de sus fotografías fueron subastadas en Sotheby’s, y presentadas entre fotógrafos como Richard Avedon, Sally Mann e Irving Penn.
La obra de Shields se está volviendo icónica y está dejando su huella en la historia de la fotografía, se puede ver y adquirir a través de Samuel Lynne Galleries, representante exclusivo de Tyler en Texas. «
A detalle
+ El sábado 4 de agosto Shields inaugurará la exposición ‘The Color of Impact’ en Samuel Lynne Galleries en Dallas, Texas

+ Shields ganó notoriedad adicional en junio de 2017 por una foto de la comediante Kathy Griffin sosteniendo un accesorio que se parecía a la cabeza decapitada de Donald Trump

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REFLEXIONISMO

LEA FISHER

La artista no solo es reconocida por sus obras de arte atrevidas, auténticas y emocionalmente expansivas, también por su labor altruista y compromiso con la comunidad

Lea Fisher comenzó a pintar como una salida emocional mientras estudiaba el postgrado, sin imaginar que en el proceso aprendería elvalor terapéutico del arte. Desde entonces ha evolucionado desde una infancia problemática y conflictiva para convertirse en una artistaintuitiva que puede expresarse sin miedo.

La talentosa pintora crea composiciones dramáticas que reflejan sus experiencias de vida y abordan poderosamente cuestiones muy complejas relacionadas con las aflicciones sociales contemporáneas, a través de técnicas de óleo en 3D que van desde el delicado embellecimientode los aceites, hasta el uso de múltiples medios para crear texturas ricamente esculpidas.

Su arte emula la aventura, la emoción cruda y un flujo de conciencia incomparable. Inspirándose en su fuerte habilidad de composición, Fisher crea una ilusión de solidez e ingravidez que, al mismo tiempo, envuelve al espectador mientras permite que la mente flote para atraerla conciencia intuitiva.

Lea ha participado en varias exposiciones colectivas en Dallas, Miami, Los Ángeles y Washington, además de estar involucrada en la labor altruista desde 2012 apoyando causas como la lucha contra el SIDA, el cáncer, leucemia y enfermedades del corazón, entre otras. Actualmente reside y trabaja en Dallas, Texas. «

RECONOCIMIENTOSYPREMIOS
Artista destacado ‘Celebración del color’ Artsy Shark 2016
Certificado de Excelencia Artavita 2014

Artista Arquitecto

Triple ganador: Favorito general, Favorito de colaboración arquitectónica y Artista favorito

EXPOSICIONES

Exposiciones individuales

‘UnexpectedReflection’ 2014 Samuel Lynne Galleries

‘AGoodStory’2016 Samuel Lynne Galleries

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